1984 - FRANKENSTEIN 90

de Alain Jessua (France)
Avec Eddy Mitchell, Jean Rochefort, Fiona Gélin, Herma Vos, Ged Marlon, Anna Gaylor, Serge Marquand, Dirk Altevogt

Alain Jessua a toujours flirté de près ou de loin avec le fantastique et la science-fiction, comme en témoignent Traitement de Choc, Les Chiens ou Paradis pour Tous. Le voir s’investir dans une relecture du thème de Frankenstein procédait donc presque d’une continuité logique. Mais le réalisateur a pris le parti du pastiche, et depuis Mel Brooks la barre a été placé particulièrement haut. Comme on pouvait le craindre, Frankenstein 90 n’atteint pas vraiment ses objectifs, malgré quelques choix artistiques judicieux et surtout un casting franchement séduisant. 

Le docteur Victor Frankenstein (Jean Rochefort !) fabrique une créature d'autant plus perfectionnée qu'il a inséré dans son cerveau un microprocesseur. Mais hélas, bien qu'assez sexy, le nouveau monstre (Eddy Mitchell !!) ne peut s'empêcher de tuer quelques personnes par-ci, par-là. Pour éviter des ennuis à son maître, il prend la fuite, bientôt rejoint par Elizabeth (Fiona Gélin), la propre fiancée et assistante du professeur Frankenstein, qui n'a pu résister à l'attrait irrésistible de l'étrange créature, ayant troqué les bottes orthopédiques et la bure élimée de Boris Karloff contre un jean et un sweat shirt plus adaptés au look du sympathique rocker français. Afin d'assouvir la sexualité délirante du monstre, le professeur construit alors une femelle… dont il tombe lui-même éperdument amoureux. 

Le titre du film, qui anticipe légèrement sur les années 90, évoque celui de Frankenstein 70 réalisé en 1958. Cette similitude dans les appellations n'est pas tout à fait innocente, dans la mesure où les deux films mâtinent le thème du docteur Frankenstein d'un peu de science-fiction futuriste, l'énergie atomique du premier film ayant ici cédé le pas aux circuits intégrés électroniques. Cela dit, la ressemblance avec la série B horrifique d’Howard Koch s'arrête là. Malgré ses affinités manifestes avec le genre fantastique, Alain Jessua tourne ne l'aborde ici que timidement, maladroitement, sans conviction apparente. Et la qualité de Frankenstein 90 s'en ressent. Contrairement au magistral Frankenstein Junior de Mel Brooks, cette comédie pataude ne rend pas un hommage parodique au mythe mais le détourne simplement pour accumuler des gags et des quiproquos vaudevillesques. 

Pourtant, l'idée d'Eddy Mitchell en monstre et du brillant Jean Rochefort en baron Frankenstein était réjouissante, et les maquillages de Reiko Kruk et Dominique Colladant (qui avaient donné à Klaus Kinski la tête de Max Schreck dans Nosferatu Fantôme de la Nuit) sont très réussis, presque trop par rapport au niveau général du film. Ils nous gratifient d'un Eddy-Franck subtilement balafré, d'un ancêtre du monstre aux allures karloffiennes, et d'androïdes au front démesuré qui se liquéfient de fort impressionnante manière. « La prothèse est toujours préférable au masque entier », nous explique Reiko Kruk à propos du maquillage de Mitchell. « Car sous le masque, le jeu du comédien s’efface complètement. La prothèse, au contraire, permet de mêler la présence de l’acteur avec une force venue d’ailleurs » (1). L'affiche du film cultivait la célèbre confusion entre le monstre et son créateur, annonçant Jean Rochefort dans le rôle de « Victor » et Eddy Mitchell dans celui de « Frankenstein ».

(1) Propos recueillis par votre serviteur.

© Gilles Penso
Thema: FRANKENSTEIN

2017 - COLOSSAL

de Nacho Vigalondo (USA)
avec Anne Hathaway; Jason Sudeikis, Dan Stevens, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, Hannah Cheramy, Nathan Ellison

A  tout juste 40 ans, l'espagnol Nacho Vigalondo est devenu un spécialiste es scénarii « high concept » qu'il écrit et met en scène : la boucle temporelle cruelle de Timecrimes, le chassé-croisé amoureux sur fond d'invasion alien dans Extratrerrestre, le thriller 2.0 via webcam avec Open Windows, autant de tentatives (plus ou moins réussies) de renouveler des genres balisés. Colossal ne déroge pas à la règle, proposant la collision improbable entre la comédie romantique la plus américaine et la science-fiction à l'asiatique. L'introduction voit Anne Hathaway plonger dans la dépression, plaquée par son petit ami (Dan Stevens, vu notamment dans l'excellent The Guest) qui ne supporte plus l'alcoolisme mondain avancé de la belle et son laxisme absolu. L'éconduite décide de retourner panser ses plaies dans la maison familiale désertée, au fin fond d'une petite ville campagnarde. L'occasion de renouer avec un ami d'enfance perdu de vue (Jason Sudeikis) qui pourrait bien lui redonner foi en la vie...

Ce point de départ des plus classiques est traité avec rigueur et humour, dans une atmosphère automnale du plus bel effet, jouant à fond du charme de ses protagonistes. Vigalondo sème sans attendre le trouble dans ce tableau pittoresque, un monstre mystérieux se livrant soudain à des attaques répétées sur Séoul. Ceux qui auront eu la chance de ne pas tomber sur les trailers du film apprécieront les indices progressifs menant à une révélation (rapide) totalement inattendue : les exactions de cet effrayant géant sont intimement liées aux émotions de l'héroïne. L'idée d'enchevêtrer désordres psychologiques à échelle humaine et destructions massives titanesques aux enjeux planétaires se révèle fort pertinente et décalée dans la première partie du film, le réalisateur prenant un malin plaisir à faire voler en éclats les clichés habituels à la Bridget Jones : Hathaway couche sans ambages avec un jeune autochtone azimuté, son ex s'avère être imbuvable, et l'amour de jeunesse potentiel dévoile une personnalité incontrôlable et perverse. Personnalité qui devient subtilement le pivot de l'histoire, Sudeikis muant de gendre idéal à bourreau culpabilisateur qui influe de plus en plus dangereusement sur le cours des événements. La théorie du battement d'ailes du papillon poussée à son extrémité, la vie de milliers de gens à l'autre bout de la planète se joue dans un jardin d'enfants entre deux adultes en pleine séance de psychanalyse tordue. 

Son trépidant postulat bien installé et l'empathie du spectateur acquise, Vigalondo pourrait élever son métrage d'un cran en analysant en profondeur les traumatismes de ses personnages, critiquer l'actualité en direct non-stop, la fuite en avant d'une génération de grands enfants en perdition qui se noient dans les mirages de l'alcool, ou les clivages d'une Amérique urbaine condescendante face à des ruraux envieux. Las, l'espagnol choisit des voies plus discutables et moins intellectuelles pour dénouer les fils de l'intrigue, sautant d'une variation grinçante des Nuits avec mon ennemi sauce Godzilla à une immaturité propre aux films de super-héros si chers à la production Hollywoodienne actuelle. Les réactions des antagonistes deviennent par trop exagérées et peu crédibles (la séquence des feux d'artifice dans le bar), l'explication très Incassable du phénomène tombe à plat, et le rythme jusque-là soutenu et riche en surprises sombre lentement dans la redite.

Cependant les craintes générées par ce décrochage fanboy s'estompent face à la puissance émotionnelle de l'épilogue, voyant Hathaway enfin prendre son destin en mains et retourner brillamment la situation. Ses fêlures élucidées, elle cesse d'être spectatrice de sa propre déchéance et de se complaire dans un égoïsme rassurant pour se préoccuper de son prochain, et régler du même coup ses comptes avec son passé. Cet instant tétanisant où la force du passage à l'âge adulte (et au renoncement douloureux à l'enfance) se traduit par une colère monstrueuse mais nécessaire, ce cri désespéré d'une femme obligée de mesurer des centaines de mètres pour être entendue et respectée par des hommes manipulateurs, avant de s'effondrer dans une amorce de confession déchirante quand elle recouvre ses esprits, tout ceci confère aux derniers instants de Colossal une âme précieuse et un cœur gros comme ça, qui font vite oublier les concessions jeunistes et les errances scénaristiques. En chaque être humain sommeillent un gamin apeuré et un colosse aux pieds d'argile, libre à chacun de trouver l'équilibre salvateur entre les deux qui mènera sur le chemin de la plénitude. 

Julien Cassarino

1966 - MATT HELM, AGENT TRES SPECIAL


(The Silencers)
de Phil Karlson (USA)
avec Dean Martin, Stella Stevens, Daliah Lavi, Victor Buono, Arthur O’Connell, Robert Webber, James Gregory, Nancy Kovacs

Lorsqu’Albert Broccoli décida d’adapter les romans de James Bond à l’écran, il proposa à son partenaire Irving Allen de se lancer dans l’aventure avec lui. Peu confiant dans l’avenir financier d’un tel projet, Allen déclina l’offre… et s’en mordit évidemment les doigts jusqu’aux coudes suite au succès inespéré dJames Bond contre Docteur No et ses séquelles. Pour essayer tant bien que mal de rattraper le coup, Allen acheta les droits des romans d’espionnage de David Hamilton qui narraient les exploits de Matt Helm, agent au service de l’organisation secrète ICE. Pour donner corps au héros, Allen opta pour Dean Martin, naturellement à l’aise dans le rôle du playboy décontracté. 

Du roman « The Silencers » dont il est censé s’inspirer, Matt Helm Agent Très Spécial ne conserve que quelques éléments disparates, et de l’univers réaliste créé par Hamilton, cette semi-parodie oublie quasiment tout, au grand dam des amateurs du romancier. Reconverti à la photographie de mode après ses bons et loyaux services pour le contre-espionnage de l’Oncle Sam, Matt Helm est recontacté par ses supérieurs à cause de la menace que représente le péril jaune personnalisé, autrement dit Tung-Tze (Victor Buono, sous un maquillage asiatique aussi peu convaincant que l’accent chinois qu’il utilise pour déclamer ses répliques). Chef de l’organisation Big-Zero, Ting-Tze a détourné un missile nucléaire et projette de l’envoyer sur le Nouveau-Mexique, à Alamogordo, afin de déclencher une troisième guerre mondiale. 

Généreusement empli de jolies filles court-vêtues, de gadgets absurdes, d’inoffensives poursuites automobiles et de gags sans finesse, Matt Helm Agent Très Spécial se contente de caricaturer ce qui fit le succès de la saga 007 (alors en plein essor suite au triomphe d’Opération Tonnerre) sans jamais chercher à en retranscrire la brutalité ou l’inventivité. Elmer Bernstein compose du coup une partition jazzy faisant écho à celles de John Barry, le chef décorateur Joe Wright peine à rivaliser avec la folie visuelle des créations de Ken Adam, et Dean Martin déambule dans le film d’un air désabusé, poussant régulièrement la chansonnette en voix-off pour rentabiliser ses talents de crooner. 

Cette imitation édulcorée de 007 se laisse aller à bon nombre d’allusions à James Bond contre Docteur No, notamment avec la présence de la jeune femme qui s’immisce chez Helm avec pour tout vêtement une de ses chemises (comme la mémorable Sylvia Trench interprétée par Eunice Gayson), mais aussi le super-vilain chinois incarné par un comédien caucasien et son repaire futuriste au cours duquel se déroule un climax modérément explosif. Les seules véritables réjouissances du film sont dues aux deux principales actrices féminines, la renversante Dahlia Lavi assurant le rôle de la co-équipière ambiguë et la délicieuse Stella Stevens celui de la touriste exagérément maladroite. Malgré ses faibles ambitions artistiques et l’excessive légèreté de son traitement, Matt Helm Agent Très Spécial remporta un franc succès – aidé bien évidemment par la vogue des films d’espionnage provoquée par Broccoli – et fut suivi par trois séquelles obéissant aux mêmes recettes.

© Gilles Penso

2017 – VALERIAN ET LA CITE DES MILLE PLANETES

de Luc Besson (France)
Avec Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke

Chaque fois qu’un nouveau film de Luc Besson se profile sur les écrans, les passions ont tendance à se déchaîner au mépris de toute objectivité. Les colériques s’emportent sans retenue, laissant souvent le dédain irrationnel que leur inspire l’homme prendre le pas sur toute analyse. Les béats admirent la jolie facture des objets filmiques du cinéaste, tant conquis par leur aspect récréatif que la vacuité de certains scénarios leur passe au-dessus de la tête. Comment juger Valérian et la Cité des Mille Planètes en toute impartialité dans un tel contexte ? Sans doute en essayant d’appréhender le film lui-même indépendamment de l’homme derrière la caméra. 

Comme chacun sait, les aventures dessinées de Valérian et Laureline égayent les pages du magazine Pilote depuis la fin des années 60, sous la plume fertile de Pierre Christin et le crayon alerte de Jean-Claude Mézières. Figure de proue d’un space opera décomplexé qui n’allait acquérir ses lettres de noblesse cinématographiques qu’en 1977 à l’initiative de George Lucas, l’œuvre de Christin et Mézières méritait bien un long-métrage à la hauteur de ses folles ambitions. Pour que cet irrésistible couple d’agents du service spatio-temporel ne quitte pas son giron français, le nom de Luc Besson s’imposait logiquement. Sans doute était-il le seul, dans l’hexagone, capable de réunir les capitaux nécessaires à une telle entreprise. Mais au-delà de l’aspect financier, Besson était-il l’homme de la situation ? Question délicate. Le Cinquième Elément nous avait déjà largement mis la puce à l’oreille vingt ans plus tôt. Fruit du mixage contre-nature de vingt années de films de SF hollywoodiens, ce maelstrom indigeste aux goûts visuels très discutables et au scénario d’une vertigineuse indigence prouvait que les affinités de Luc Besson avec la science-fiction n’étaient que cosmétiques (si l’on excepte le miracle du Dernier Combat, œuvre de jeunesse co-écrite par Pierre Jolivet qui s’inscrivait dans un contexte post-apocalyptique austère et tirait de son cruel manque de moyens une inventivité de tous les instants sans chercher à imiter qui que ce soit). 

Or Valérian suit tranquillement la trace du Cinquième Elément. Nous sommes une fois de plus en présence d’un cocktail bizarre recyclant une demi-douzaine de space opéras hollywoodiens jusqu’à frôler dangereusement le plagiat. La reprise de la séquence sous-marine de La Menace Fantôme laisse déjà perplexe. Mais que dire de cette copie éhontée des Na’vis d’Avatar ? Que personne, à aucun stade de la production du film, n’ait osé dire à Besson que ses extra-terrestres bleus de trois mètres de haut, vivant comme une paisible peuplade primitive en harmonie avec la nature et se heurtant à la cupidité de l’homme civilisé, ressemblaient un peu trop aux aliens de James Cameron, prouve à quel point le réalisateur/producteur/scénariste a les pleins pouvoirs. Même les belles séquences d’action du film – Valerian en contient un certain nombre, soyons honnêtes – sont gâchées par des choix de mise en scène inadéquats, notamment une course-poursuite haletante située simultanément dans deux espaces parallèles sabordée par l’illisibilité de son déroulement, et une grande bataille spatiale finale qui perd une grande partie de son impact à cause de son insertion elliptique dans un flash-back bavard. 

Pourtant, nous étions sincèrement prêts à jeter aux orties tout à priori pour nous embarquer dans une aventure spatiale grisante « made in France ». Encore eut-il fallu que le scénario s’organise autour d’enjeux clairs, que le couple de héros ne donne pas l’impression de sortir tout juste du lycée, que le message final ne confonde pas pacifisme et mièvrerie (« l’amour c’est mieux que la guerre » nous dit en substance une Cara Delevingne aussi peu expressive qu’un papier peint), que la narration ne s’interrompe pas brutalement pour asséner aux spectateurs un numéro de strip-tease interminable et embarrassant. Finalement, c’est peut-être son traitement des personnages féminins qui marque le mieux la scission entre les deux Luc Besson, celui des années 80/90 et celui d’après Le Cinquième Elément. Le cinéaste qui offrit jadis des rôles si forts à Isabelle Adjani et Anne Parillaud semble désormais se contenter de transformer la femme en objet sexuel écervelé, ou tout du moins en faire-valoir esthétique pour le héros masculin. Appeler le film Valerian au lieu de Valerian et Laureline en dit assez long à ce propos…

© Gilles Penso
Thema: SPACE OPERA

2017 – SPIDER-MAN HOMECOMING

de Jon Watts (USA)
Avec Tom Holland, Michael Keaton, Robert Downey Jr, Marisa Tomei, Jon Favreau

L’araignée est décidément un être bien singulier. Tous les cinq ou dix ans, notre monte-en-l’air bicolore fait une réapparition sur grand écran avec un nouveau visage, un nouvel entourage et un – relativement – nouveau costume. La démarche est d’autant plus problématique que chaque adaptation des aventures de Spider-Man cherche à s’éloigner de la précédente pour mieux affirmer sa relative originalité. Sam Raimi ayant trouvé l’équilibrage idéal entre l’esprit sixties du comic book de Stan Lee et le modernisme du 21ème siècle, les tentatives de réinvention du mythe par Marc Webb et Jon Watts semblent vaines et vides de sens. 

Car en prenant leur distance avec la vision du réalisateur d’Evil Dead, le diptyque The Amazing Spider-Man et Spider-Man Homecoming se détachent aussi de l’esprit du personnage initial pour n’en conserver que l’enveloppe. Pourtant, l’apparition de Peter Parker et de son alter ego costumé dans Captain America : Civil War avait été une excellente surprise. Si l’on excepte un choix curieux concernant sa tante (la vieille dame malade et inquiète se muant inexplicablement en belle quinquagénaire ne laissant pas Tony Stark indifférent), cet homme-araignée avait tout pour nous séduire. Jeune, inexpérimenté, plongé dans un combat aux proportions gigantesques, tirant malgré tout son épingle du jeu grâce à ses capacités physiques hors du commun, son inventivité surhumaine et son sens de l’humour permanent, il nous offrait une version alternative très proche de l’esprit insufflé originellement par Stan Lee tout en s’inscrivant habilement dans l’univers très codifié des Avengers. 

Mais il semble que cette approche ne fonctionnait qu’au sein d’un film choral. Redevenu le centre de toutes les attentions, cet homme-araignée nous semble bien superficiel. Si la nature même du Peter Parker des origines résidait dans sa capacité à accumuler les problèmes insolubles, celui incarné par Tom Holland en est l’exact opposé. Le traumatisme de la mort de son oncle semble ne plus exister, la fragilité de sa tante l’empêchant de révéler son identité secrète a disparu, son impopularité au lycée n’a plus cours, bref voici un adolescent sympathique et bien dans sa peau dont la vie s’avère bien trop lisse pour nous intéresser. Le leitmotiv associant le grand pouvoir aux grandes responsabilités n'est plus d'actualité. Si Peter joue à voltiger entre les buildings et à lutter contre les méchants, c’est pour pouvoir devenir une star de Youtube puis plus tard briller aux yeux de Tony Stark dans l’espoir de rejoindre un jour son équipe de manière officielle. En termes d’enjeux dramatiques, on a connu mieux ! 

D’ailleurs notre homme araignée semble incapable de faire quoi que ce soit sans l’assistance des adultes (autrement dit les « vrais » héros, plus expérimentés que lui). Son costume high-tech lui est fourni par Stark Industries, Iron Man vient le tirer des pires situations, Happy le chaperonne en essayait vainement de faire sourire les spectateurs… La métaphore du passage à l’âge adulte et de l'acquisition d’autonomie en prend un sacré coup. Même les scènes d’action peinent à maintenir l’intérêt du spectateur. Copiées sur les films précédents (la séquence du ferry est une imitation appauvrie du combat contre le Dr Octopus dans le métro de Spider-Man 2) ou parfaitement illisibles (le climax dans les airs), elles n’offrent rien de mémorable. Reste Michael Keaton, impeccable comme toujours, le charisme précoce de Tom Holland qui aurait mérité un personnage bien plus profond, et un coup de théâtre prometteur en début de troisième acte qui n’a hélas aucune conséquence. C’est bien là le problème majeur de Spider-Man Homecoming. Aucun des actes de notre héros n’a de répercussion à court ou long terme, à l’image de cette love story insipide qui ne sert que de tremplin pour un éventuel épisode suivant.

© Gilles Penso
Thema: SUPER-HÉROS


POST MORTEM : DU SANG SUR LES ONDES !


Est-il nécessaire de vous présenter Mick Garris ? Réalisateur du réjouissant Critters 2, de l'audacieux Psychose 4, du délirant La Nuit Déchirée et d'une foule d'adaptations de Stephen King (Le Fléau, Shining, Désolation, Sac d'Os), initiateur de la série Masters of Horror, Mick Garris est une encyclopédie vivante du cinéma fantastique. 


Depuis plusieurs mois, pour le plus grand plaisir des fantasticophiles, il anime un podcast au titre révélateur de POST MORTEM, invitant sur son plateau les réalisateurs du genre que nous aimons pour leur faire révéler tous leurs secrets. Incontournable - et gratuit ! - ce podcast peut s'apprécier en cliquant ICI. Amateurs d'horreur et de fantastique, faites-vous plaisir !


2017 - ALIEN COVENANT

de Ridley Scott (GB/USA)
avec Michael Fassbender, Katherine Waterson, Billy Crudup, Danny Mac-Bride, Demian Béchir, Jussie Smollet, Amy Seimetz, Callie Hernandez

En 2012, Ridley Scott renouait avec la Science-Fiction avec Prometheus pour jeter les bases du plus terrifiant monstre de l’histoire du cinéma : le xénomorphe. A la fin du film, nous avions laissé le Docteur Elisabeth Shaw (Noomi Rapace), seule en compagnie de l’androïde David sur l’hostile planète LV-223 après la destruction du Prometheus. Après avoir découvert, un second vaisseau appartenant aux Ingénieurs, les deux derniers survivants de cette funeste mission d’exploration repartent dans l’espace pour se rendre vers la planète de ces êtres qui ont probablement créé la race Humaine. Nouvel épisode de la saga, Alien Covenant se situe dix ans après l’action du premier film et narre les aventures de l’équipage de l’astronef du même nom, censé rallier la planète Aurigae 6 pour y établir une colonie humaine de 2000 personnes.

Le film démarre sur une séquence spatiale qui rappelle aux protagonistes les dangers de vouloir explorer la galaxie. Suite à un problème technique, un incendie se déclare et tue l’un des personnages alors qu’il se trouve encore dans son caisson d’hibernation. A la suite de cette péripétie, deux membres d’équipage effectuent une sortie en scaphandre pour réparer la voile solaire du vaisseau. Au cours de cette excursion en apesanteur, l’un des deux protagonistes capte une transmission radio d’origine inconnue. Après avoir localisé la source, le capitaine en second décide contre l’avis de son premier officier (Katherine Waterson) de mettre le cap sur cette planète qui semble offrir les garanties pour l’établissement des 2000 colons cryogénisés que transporte le Covenant. Croyant trouver le paradis à des milliers de milliards de kilomètres sur lequel vit David (Michael Fassbender), l’unique survivant du Prometheus de la Terre, les 15 membres d’équipages vont, comme on s’en doute, très vite déchanter.

Nettement plus horrifique que ne l’était son prédécesseur, Alien Covenant montre l’évolution du xénormophe créé par HR Giger en 1979 tel que nous le connaissons aujourd’hui. Dans ce nouveau métrage, Ridley Scott veut aussi montrer que l’action et la réflexion ne sont pas incompatibles. Il suit pour cela un chemin qui évoque par moments celui emprunté par Stanley Kubrick dans 2001, l’Odyssée de l’Espace. Côté acteurs, Michael Fassbender campe à la perfection un David à la recherche de nos origines dont le cynisme n’a d’égal que la gentillesse de son alter ego Walter. Katherine Waterson joue le rôle de Daniels qui est un mélange de Ripley et d’Elisabeth Shaw. Ce qui est une lourde tâche pour l’actrice au vu de l’héritage laissé par Sigourney Weaver dans les quatre premiers Alien, et de Noomi Rapace dans PrometheusBilly Crudup est, quant à lui, parfait en capitaine en second écrasé par le poids de responsabilités soudaines.

Le film n’est pas un chef d’œuvre et pêche parfois par une certaine lenteur, mais il ne s’agit pas non plus d’un navet. Les images sont superbes et, admettons le, on se surprend parfois à trembler aux apparitions de la créature. Même si l’effet de surprise est un peu passé, le final, cynique à souhait, donne envie de savoir ce qui se passera dans le prochain chapitre que doit normalement réaliser Ridley Scott l’année prochaine.

© Antoine Meunier